El Viaje de las Esculturas de Buda a Través del Tiempo Las primeras representaciones de Buda, el iluminado, se originaron en la India hace más de dos milenios. En sus inicios, estas representaciones eran abstactas, evitando cualquier forma de idolatría. A medida que el budismo se extendió por Asia, las imágenes de Buda comenzaron a aparecer en forma de estatuas, frescos y reliquias, adoptando características locales y estilos artísticos. Sin embargo, la verdadera transformación en la representación de Buda se produjo cuando las rutas comerciales unieron el mundo griego helenístico con las civilizaciones budistas en la región de Gandhara. Aquí, las influencias helenísticas se mezclaron con las tradiciones budistas, dando lugar a una iconografía única. Las esculturas de Buda adquirieron una apariencia más realista, con detalles anatómicos y pliegues en las túnicas que recordaban al arte griego. En China, Japón y otras partes de Asia, las representaciones de Buda evolucionaron de manera similar, pero mantuvieron rasgos distintivos que reflejaban las sensibilidades culturales locales. Cada región desarrolló su propia forma de representar a Buda, creando una rica diversidad de estilos y formas. La Atracción de una Escultura de Buda en el Hogar o la Oficina Hoy en día, la presencia de una escultura de Buda en el hogar o la oficina se ha convertido en un símbolo de paz, sabiduría y serenidad. ¿Por qué atraen tanto a las personas? Paz Interior y Reflexión: Buda es una representación de la búsqueda de la paz interior y la iluminación espiritual. Tener una escultura de Buda en casa o en el lugar de trabajo puede servir como recordatorio constante de la importancia de la introspección y la reflexión en nuestras vidas ocupadas.
 Estética y Elegancia: Las esculturas de Buda a menudo son obras maestras de la artesanía, con detalles intrincados y una belleza atemporal. Agregan una nota de elegancia y estilo a cualquier espacio.
 Inspiración Espiritual: Muchas personas encuentran inspiración en la figura de Buda y sus enseñanzas. Tener una escultura de Buda puede ayudar a mantener viva su conexión espiritual y recordar sus valores y metas espirituales.
 Ambiente Tranquilo: La presencia de una escultura de Buda puede crear un ambiente tranquilo y relajante en el hogar o la oficina, lo que contribuye a reducir el estrés y la ansiedad.
 Decoración con Significado: Además de su valor espiritual, las esculturas de Buda son elementos decorativos significativos que atraen la atención de los visitantes y pueden servir como punto de conversación.
 En conclusión, las esculturas de Buda han recorrido un largo camino a lo largo de la historia, desde las representaciones abstractas hasta las obras de arte intrincadamente detalladas que conocemos hoy en día. Su atractivo radica en su capacidad para recordarnos la importancia de la paz interior, la reflexión y la espiritualidad en nuestras vidas. Ya sea como símbolo espiritual, elemento decorativo o ambas cosas, una escultura de Buda puede tener un impacto profundo en nuestro bienestar y en la estética de nuestros espacios cotidianos. Así que, ¿por qué no considerar agregar un toque de serenidad y significado a tu hogar o lugar de trabajo con una hermosa escultura de Buda? En Orejudo hemos creado nuestra propia representación del Buda con una visión tradicional y al mismo tiempo moderna de este icono. Cada escultura se crea cuidadosamente mediante un proceso artesanal. Desde los pliegues de la túnica hasta la serena expresión facial, están finamente modelados a mano, lo que garantiza una obra de arte única y auténtica. Realizada con precisión en alabastro moldeado de alta calidad, su minuciosa atención a los detalles captura la serenidad y la sabiduría del Buda. Puedes acceder a ella desde < >

Tarde soleada de 1909, en el ocaso del día un pintor está retratando a dos mujeres que pasean por la playa. A sus espaldas el mediterráneo de la Malvarrosa. Vestidas con elegantes prendas vaporosas de un blanco intenso y sombrillas que protegen la palidez de sus dueñas. En esta etapa de su vida, Joaquín Sorolla ya no es un artista anónimo sino un ilustre y galardonado pintor de merecida fama y con reconocido prestigio internacional. Su última exposición en Nueva york ha sido todo un éxito, colmando todas las expectativas de público que llenaban las salas. La escena es sencilla pero con una profunda poética que tratan la moda y los personajes principio de siglo XX. Estas figuras en movimiento captadas como en una fotografía. Herramienta moderna que ya dominaba en aquella época al haber trabajado en el estudio fotográfico de su suegro. Las protagonistas no son dos personas anónimas; una de las retratadas es Clotilde, esposa del artista y a su lado la figura esbelta de María, su hija. Nos podemos imaginar el placer que sentía el artista con su familia en una ociosa tarde al aire libre con su familia. Sorolla en esta etapa de autentica maestría domina la pincelad larga y el color con un estilo llamado postimpresionismo, por ponerle una etiqueta. La composición es audaz, ligero picado que elimina la línea del horizonte. Capta ese instante mágico de media tarde que nos hace sentir el aroma y el sonido del mar. 
Orejudo consigue recrear en un bajo relieve la intensidad cromática y la luz que trasmiten los cuadros del artista. Sorolla significa todo un reto para nuestra firma decorativa. Pintor comprometido con la verdad de lo que veía. Obras excepcionales para incluir a nuestro catalogo de alta artesanía. Nuestro relieve policromado con barnices y oleos que recrean de la misma pincelada e intensidad cromática de su paleta. Orejudo, con este excepcional trabajo pretende que la luz mediterránea inunde nuestras mejores estancias. Puedes ver o adquirir nuestro cuadro en relieve "Paseo por la Playa" pinchando en este enlace

En esta nueva colección que estamos creando vamos un paso más allá. La inspiración es una imagen iconográfica, el ángel. Como símbolo de perfección y belleza, belleza a la que nos aproximamos mediante un riguroso estudio de la proporción y la anatomía de la figura en busca de esa perfección nunca planamente alcanzada. Anotomía que luego será “suavizada” para destacar aquellos rasgos que le aporten mayor fuerza sin perder la serenidad que son las características he buscado en la actitud y expresión de la figura. El resultado, creamos una escultura “clásica” y que al mismo tiempo, gracias al contrapunto entre dinamismo y serenidad, de espera con tensión contenida, hemos conseguido una obra cuya imagen es indudablemente moderna. Pudes ver o adquirir la escultura "Arcángel" en este enlace

Sus propias líneas y modelos expresa n belleza y delicadeza inigualables. La concepción poética de la Primavera, inspira a Enrique Orejudo Alonso en la realización de tres relieves. Las Tres Gracias, Venus y Flora. En Las Tres Gracias el escultor se recrea en el modelado de los pliegues, en su línea armónica, en la cadencia de los movimientos de danza y en los desnudos sensuales que se insinúan bajo la transparencia de las telas. Cogidas de las manos, sonríen y llenas de jubilo, como las describió Séneca. Los ambientes de los cuadros de Botticelli, aunque descritos con gran minuciosidad, no crean realidad. Sus figuras están suspendidas en un lugar idílico en un espacio fuera del tiempo. Todo esto está en la Primavera de Botticelli, una de las obras más refinadas y cultas de todo el renacimiento Italiano. Enrique Orejudo Alonso es un gran amante de la pintura de Botticelli y para el realizar esta obra fue todo un placer, ya que pudo recrearse en todos los pliegues de los vaporosos vestidos y en las preciosas curvas de las damas, esto se nota al ver el relieve que desprende esa delicadeza y sensualidad. Lo mismo ocurre con la belleza de las caras , en el cuadro las mujeres aparecen bellas pero en el relieve que recrea Enrique ganan aún mas si es posible. Deciros que en la realización de esta obra se puso muchísima pasión y entusiasmo , según se iba haciendo el modelado todos íbamos disfrutando de cómo iba quedando con esa gran maestría y belleza. Una vez que estuvo terminada y viendo como había quedado pensamos que lo mejor era hacerle un montaje que realzara aún mas la obra y que fuera acorde con ella por lo que decidimos modelar las grecas que el marco lleva a cada lado y sus capiteles y creamos este marco tan espectacular que lleva la pieza. Este relieve ha sido uno de los mas exitosos que hemos realizado , lo terminamos en diciembre de 1997 y aún hoy sigue entusiasmando ya que es un tema y estilo fuera de modas por lo que se puede colocar en cualquier tipo de ambiente. Esta pieza ha sido vendida por todo el mundo dada lo conocido de su temática. Esperamos que podáis percibir toda la pasión que en este precioso relieve hemos puesto y seguimos poniendo cada vez que lo realizamos. Puedes ver o adquirir el cuadro en reliev e "Tres Gracias" en este enlace

Creo que empezaré por deciros que la inspiración vino de una foto de publicidad en la que aparecía Naomi Campbell con una sandalia en una mano, ya no recuerdo cual era el anuncio , solo que mi hermano Jorge me trajo la foto y nos encantó , en ese momento pensamos que de ahí podíamos sacar algo. Mi Enrique en cambio nos decía que no lo veía muy claro pero que adelante a ver que sacábamos. Decidimos el formato y el tamaño y empecé el modelado , por aquel entonces había estado haciendo la colección de las Tahitianas de Gauguin y quizás por ese motivo lo que fui realizando daba un aire a el trabajo de Gauguin aunque lo que estaba realizando era una interpretación muy personal de aquella fotografía de moda aparecida en una revista. El resultado final del modelado nos gustó mucho, esa vez ya no hubo demasiadas criticas , aunque como nos exigimos mucho siempre pensamos que hay cosas mejorables , pero no teníamos ni idea de cómo podría encajar en el público. Le hicimos un marco dorado sencillo y lo presentamos por primera vez en la Feria del Mueble de Madrid en Abril, la presentación del trabajo fue todo un éxito a todo el mundo le encantó y fue un éxito de ventas desde entonces hasta ahora. Espero que os guste tanto como a mi que puse toda mi pasión y empeño al crearla. Puedes ver o adquirir el cuadro en relieve "África" en este enlace

El primer impacto que recibimos de dicha obra es su intenso color rojo anaranjado que llena prácticamente todo el lienzo. Pero lo que realmente me inspiró para realizar este relieve fue el tratamiento casi escultórico que Leighton imprime en sus telas, como estas a su vez aportan volumen al cuerpo de la mujer. No sorprende el aspecto marmóreo que da a sus modelos ya que además de pintor fue considerado como uno de los nuevos valores de la escultura británica de su época. Como escultor, para mi ha sido un gran aprendizaje realizar con el palillo de modelar las mismas telas, los mismos pliegues que Leighton creó con su pincel. Un trabajo laborioso en el que uno se recrea e interioriza el comportamiento de los delicados tejidos al caer sobre la piel. Pero quizá la parte más difícil, la que requirió de mayor inspiración y sensibilidad fue plasmar la serenidad que refleja la relajada actitud de la muchacha, serenidad que partiendo del rostro inunda todo el relieve. Puedes ver o adquirir nuestro cuadro en relieve "Flamante Junio" pinchando en este enlace